庆典中华人民共和国正式成立70周年三人行・范扬何加林贾广健中国画展章节:《论语·述而》文中“子曰："三人行必有我师焉.....”揭幕时间:2019年9月22日下午3时公益讲堂:2019年9月22日下午4时展出时间:2019年9月22日—10月7日展出地点：廊坊市永清县人民公园内贾广健艺术院展览艺术家：范扬何加林贾广健讲堂讲师：范扬何加林贾广健学术主持人：王平策展人：温美玲主办单位：范扬艺术馆雁庐艺术馆贾广健艺术院主办单位：北京美媒文化艺术有限公司绍兴市水乡文化传媒有限公司北京画畔风尚文化发展有限公司主办单位：绍兴文清书画院大美陶艺联系电话：18210303698范扬，1955年1月出生于香港，祖籍江苏南通。1972年进南通市工艺美术研究所。1982年毕业于南京师范学院美术系。
曾任南京师范大学美术学院院长、教授、博士生导师。曾任南京书画院院长、金陵美术馆馆长。
现为中国国家画院博士后导师，中国艺术研究院博士生导师，澳门科技大学人文艺术学院博士生导师，成都大学中国-东盟艺术学院美术与设计学院特聘院长。文化部杰出专家，享用国务院特殊津贴。
闺怨36x30cm纸本设色范扬1994年东江纵队124x183cm纸本设色范扬1985年物以神聚文/范迪安范扬先生在当代中国画坛富裕盛誉，从1984年创作的大幅度主题性作品《东江纵队》获得第六届全国美展铜奖开始，几十年来，他在艺术上激情涌发，以广阔的思想观念大大探寻，笔耕不辍。他的画路宽阔，山水、花鸟、人物均宽，山水画、工笔、书法跨界全线贯通，讨厌在展现出题材和形式语言上多做到尝试，从挑战自我抵达，超过得心应手的境界，大幅度创作与精美小品皆执着意境之美和笔墨品质，以高产的累积和独特的个性沦为当代中国画艺术开拓创新的一位最重要代表。太平有象36.3x74cm纸本设色范扬2013年以中国画的当代发展为理想，范扬一方面坚决深研传统、甚广收博得，反映出有一种从融通到转化成的学术智慧；一方面坚决深入生活，神游大自然，以捕猎和展现出物象的“神态”为执着，灵敏感觉万物生命的情状，做到创作感兴的“禅机”，取象造型视角精致，出其不意，构势造境落落大方，清朗畅怀，用笔用墨用彩浑然贯气，语言节奏与情感节奏交相迸发，在笔墨语言上合为独特的体格，绽放出有生机蓬勃的时代气象。山西明代壁画·捕蝗40x40cm纸本设色范扬2018年在山水画创作上，他承继宋元以降大山大水的传统，朝向“笔薄墨浮”的美学境界。
他在走出大大自然之时畅开胸襟，必要体验大自然给与的启迪，留心炼之智。他所画的山水不拘地域之缩，以打破传统的视角既画纯粹大自然的山水，也所画与田园、村镇乃至都市关联的山水，反映出有一种具备当代视野的“大山水观”。近十年来，他在对景素描上奇下工夫，从太行到巴蜀，从皖南到云贵，从国内到海外，临场所感，逸兴盎然，性情所致，笔无法缴，素描数量极大，所画出有了相当可观、可居、可游的山水情境。“素描范扬”一词，不仅展现出了他在山水素描上拓开的新途，也指出他在“素描”与“创作”同一性上所超过的高超水平和时代高度。
《赵氏孤儿》剧照53x45cm纸本设色范扬2017年低人姚明48.6x35.2cm纸本设色范扬2018年花滑夺标53x42.5cm纸本设色范扬2017年迈克尔·杰克逊59.5x41.5cm纸本设色范扬2016年在人物和花鸟上，范扬也某种程度信手拈来，皆成文章。他的花鸟画章法古朴，意态不凡，在笔线、墨色与色彩上放开自如，花鸟形象与形式语言都散发出开朗生机。在人物画上，他既有用浓墨大笔展现出的乡土风情，笔墨豪放有力，表明出有承继传统文人画的大写意风神，也有以墨彩并茂的形式画出的高士与罗汉，可见他在文人画系统之外还取传统壁画、木板年画等民间美术资源，别进一方情趣。展出中近期的作品是他的“世事所画”系列，在这个系列中，他将游历观感与时事新闻融合一起，所画出有了当代世界和生活现实中的事件和人物，刻划出幽默风趣、让人忍俊不禁的场景和形象，也实验性地延伸了中国画的展现出题材。
作品形态多样而精神内在统一是范扬艺术的鲜明特征。万物华发，竞相权利，世相多姿，纷呈生机。在范扬笔下，物以神聚，生活与生命的光彩展现其神。
白玛错小朋友48x75cm纸本设色范扬2017年藏族姑娘拉姆摄影师刘昌琪47x75cm纸本水墨范扬2017年“乱线速写式”与“范家样”的可能性—范扬中国画古文字文/王平范扬是一位既受到艺术市场欢迎，又获得学术界嘉奖的画家。有学者将其艺术风格称作“范家山水”或“范家样”，无论是鸿篇巨制的创作，还是盈尺之寸的小品，独有的“范家样”都能带入其中，使得他的山水、花鸟、人物、书法都具备十分强列的辨识度。
丝绸之路-赶车的人248x480cm纸本设色范扬2014年范扬始终保持着对生活的热衷，总是充满着激情地去刻画大大自然。他把速写语言带入到山水画创作中，并以创作的心态展开素描，在“应物象形”的过程中较慢萃取成自家语言，构成了两大特点：一是引人注目主体物象的刻画与塑造成；二是特别强调色墨间的速写感和政治性。这不仅让众多画家同仁实在范扬的作品独具创造性，而且在学术研究领域也获得了专家学者的确认。
明人玉蟾图38.2x38.2cm纸本设色范扬2015年一、致力于将传统笔墨语言转化成为现代展现出范扬的绘画吸取了黄宾虹“五笔七墨”的创作经验，特别是在是“乘积墨法”，但他的“乘积墨法”又不是纯粹意义上的“积墨”语言，而是对笔墨法的活学活用，构成了具备反感个人色彩的一套独有展现出方式。当今画坛自学黄宾虹者众多，但范扬是归属于“既学进来了，又打出来了”的画家代表。他把中国传统绘画的笔墨与西方现代艺术的展现出语言如装饰、包含等手法融会贯通，同时，他又把中国绘画的散点投影与西方绘画的焦点投影权利融合，在整体的线条与明确的塑造成中自由选择有所不同而合理的解决问题方式。
无论面临的是花鸟鱼虫、山川林木、都市街景，还是古今人物，他都能以己法将这些带入他的画面之中。这样“兼容并蓄”成就的“范家样”，让有些人很难解读。为什么呢？因为范扬总是以自己的语言去展现出眼前的世界，在行家眼里，他讲求具有表现性和速写感的勾勒与皴法，画面中的物象与现实生活是一一对应的，但对一般观众来说，其作品与明确物象的日常经验有一定的距离感，让人很难古文字，《淮南子·说道林训》有言：“画者谨毛而失貌。”无不画者却往往拘泥于物象形如。
然而在不识者眼中的问题才是是范扬画作的难题与优势，他切断了传统绘画与现实生活的壁垒，以传统的仔细观察方式和笔墨语言来刻画现实的生活场景。尽管范扬在创作时沾除了外在形式的具像塑造成，但一直固守着内在的精神主体，因此，虽然范扬作品给人的感觉是“慢、草、内乱、细”，但这些令人惊讶的特征都只是外在的形象语言，确实承托其画作的内核仍是对传统古法的遵循。夜月禅悟42x42cm纸本设色范扬2018年二、画理通透、待人通达的通才画家范扬是当代画坛中明星式的艺术家，这主要归功于他的综合性素养。
在当代绘画更加特别强调分科的形势下，范扬既是一位绝佳的综合性画家，也是一位特别强调创新性的画家。范扬是拒绝接受过系统科班训练的画家，他1982年毕业于南京师范学院美术系并调入任教，曾任南京师范大学美术学院院长、教授、博士生导师，而且他很早已在全国美术展出中得奖，名噪一时。南京师范大学美术系是师范大学的美术系，培育的是未来的美术老师，所以范扬在读大学时学得杂，后来调入任教又得是“多面手”的老师，因此，范扬人、山、花上兼任擅，跟学师范美术和当师范美术老师无法说道没关系。
如今，范扬的绘画权利、热情，实际是他多年来“博观而大约所取，厚积而厚放”的必然结果。黄粱一枕42x42cm纸本设色范扬2018年范扬不仅在艺术创作上画理通透，而且为人处世通达，是当今时代十分尤其的通才画家。
他需要体会到绘画带给的幸福，也不会把这种幸福传送给大家。另外，范扬不仅坚决深入生活，坚决素描绘画，面临生活的思维以及人与人之间的共处也最为珍惜。他在平日里也侧重文字的抒发，在他的“只言片语”中经常闪光出有具有中国禅宗的精神与智慧。近几年，范扬创作的“世事所画”系列作品极为引人关注，其创作题材源于每天的新闻广播，这种类似的记录方式类似于经典著作《世说新语》的图画版。
这种绘画方式突显了范扬对时代生活和历史文化的灵敏注目与思维，借此我们可以看出画家范扬身上具有公共知识分子的气质。他的这些作品我们更加无法用一种显艺术的角度来古文字，因为这些作品是他利用笔墨载体来展现出他对生活、公共事件的立场与态度，展现出出有他作为一个公共知识分子对于现实生活的关怀与立场。昭觉县三岔河乡三河村彝族同胞48x75cm纸本设色范扬2018年三、范扬“乱线速写式”或为中国画带给根本性革新范扬绘画中的“乱线速写”经常不会让人感受到一种恐慌的、无意识的“涂鸦”魅力，并以此误解到西方的梵高、低更加以及杰克逊·波洛克液撒式的抽象化展现出艺术，有一点大家注目和探究。
中国传统绘画中特别强调绘画创作过程时的“政治性”，因为随便的心态往往不会带给一种无意间的、天然的笔致，称作“神来之笔”。而在现代艺术的表现形式“涂鸦”当中，其“无意识展现出”品质与传统绘画中特别强调的“政治性”之间或许不存在着某种内在的联系。枯树云充叶89.5x38cm纸本设色范扬2015年再行仔细观察范扬作品中的“乱线速写式”中国画，扎与西方涂鸦艺术中特别强调的“无意识展现出”具有异曲同工之智。他的作品，表面上是带来我们类似于“涂鸦”的视觉感觉，而内在的品质又创建在中国绘画中“政治性”的基础之上。
某种角度来说，范扬“乱线速写式”语言是范扬有意识地和平了中国绘画中程式化笔墨与故意性书写的现代语言。如果明确来分析范扬的“乱线速写式”，不会找到这种“内乱”可以让我们在视觉上体会到独有的审美，也就是中国传统画所特别强调和期望产生的一种无意间的、随机的、惊艳的、天然的趣味。所以，在中国画今后的发展中，范扬的“乱线速写”很有可能会为中国画的现代展现出带给根本性革新的突破口。
取名为公器无多所取89x38cm纸本设色范扬2015年但必须特别强调的是，无论是“涂鸦”，还是“速写式乱线”，并非是没什么章法的“内乱”，前提一定是画家熟练掌握了传统书法用线的基础上，再行将现代艺术当中“涂鸦”的因素带进中国绘画中引起撞击。只有当画家在“有法”之后转入“无法”阶段派生的“内乱”，才能让中国绘画中特别强调的“偶然性”与“涂鸦”的内在品质相连互融，进而在艺术创作中迸发出新的涵义。本来无一物69.5x33.5cm纸本设色范扬2014年也许这种“内乱”不会让我们在视觉上无法精彩拒绝接受，但正如“格式塔”视觉心理学原理说明了的那样，视觉经过训练了解和解读“内乱”中之理后，就能体会到画面中的游戏感与找寻感所带给的体验，甚至不会带来我们一些不同寻常的审美体验。事实上，黄宾虹作品的魅力，多少也与其作品“粗服乱头”中包括了涂鸦的品质并因此给人们带给一种感觉和兴奋的感觉有关。
视觉审美总是在执着新鲜的事物，而范扬的“乱线速写”带来人们的新鲜感，即是打破传统规范之后所构成的综合美感。一榻萧然倚翠阴69.5x33.5cm纸本设色范扬2014年综上所述，作为一个画家，范扬的顺利不是无意间的。不过也有一种声音指出，虽然“范家样”卓然立，但范扬的艺术早已抵达走过。
其实不然，我曾见过他意临董其昌的一幅小画，得见他对传统绘画技法具有深刻印象的研究和体悟。既能消化吸收中国传统绘画的精髓，又能转化成沦为独具现代性的笔墨语言，这种综合实力能承托他回头得很远。未来的范扬不会怎样呢？我实在他还是不会在传统笔墨与现代艺术语言的融合上有新的展现出，也就是说，“范家样”的个性化绘画语言还有相当大的扩展空间。
送行36x30cm纸本设色范扬1994年何加林,1988年毕业于浙江美术学院中国画系山水专业，先后获得文学学士、硕士、博士学位。现任中国国家画院美术馆馆长，博士后、博士、硕士生导师。曾任中国美术学院中国画系副主任、教授、中国国家画院创研部主任。
系由中国文艺志愿者协会副主席，中国美术家协会理事，中国画学会理事，中央美术学院客座教授，中国艺术研究院特聘研究员、客座教授，上海美术学院客座教授。获得第三届全国中青年德艺双馨文艺工作者称号,选入中宣部全国文化名家暨“四个一批”人才工程，享用国务院政府特殊津贴。太行南坪眺望38x65cm纸本设色2017年笔墨与情感的僵持—从山水画素描中“煮”与“生”谈到文/何加林中国国家画院内容提要:山水画素描一直面对着程式化与去程式化之间的对立纠葛。
在素描当中，如何既反映出有笔墨的审美价值，又反映出对真为山水的情感传达，这是一个关于“煮”与“生”的学术命题。现代的传统型画家和中西合璧型画家在素描中所产生的“生”与“煮”均与笔墨和情感的流失有关，读书与审美、游历与实践中是均衡好这对关系的唯一方案。关键词:山水画;素描;程式化;笔墨;情感山水画素描古来有之，至于源自何时，以何材料素描，则不得而知考据。
“素描”一词，大约是将近百年西学东渐的产物，一说道就是指日语中直借而来，但在古代与之互为好像的大约有“粉本”、“草稿”之说道。至于材料，或用柳条烧制碳，或用毛笔，在绢、纸、树皮、动物皮上作画，均有可能，这些再行理论家去考据吧。尕古清秋34X45cm纸本设色2017年中国画的自学方法与西画有所不同，自古以来都是先学规矩再图扩展，就像古代小孩子茁壮一样，先立家法再自学。西画初学素描、色彩均从素描开始，面临现实静物或实景推敲所画去，而非先临习有数的素描和色彩作品。
这样，从一开始就能充分发挥个人的想象和潜质，展现出个人的天性，经过多年累积，由此产生的审美标准大自然是风格特气质。中国画则是再行绘画作品，再行面临实景、实物去所画，有些画家甚至一生都不所画实景、实物(贡布里希说道中国画没素描均源自此)。特别是在是山水画，再行从课徒稿学起，再行从前人作品里学东西，然后才去所画素描。
课徒稿的树石诸法又有一定的程式和规定性，所临作品容易展现出个人天性，初学不易千篇一律，因此只有在绘画质量上下功夫，经年累月，由此产生的审美标准是笔墨特品格。于是以因为山水画的自学是绘画在再行素描在后，在素描过程中就不像西画素描那么全然了。
山水画素描不仅承担着搜集素材、展现出客体的功能，还承担着印证古人、找到语言、展现出笔墨、建构图式的功能。因此，山水画素描一直面对着程式化与去程式化之间的对立纠葛。程式化即通过自学与累积，构成一套驾轻就熟的笔墨系统。
然而这一系统一旦成熟期，就更容易被画者所倚赖而反复，丧失早期对客观物象的那份诚恳与探寻，从而构成概念化(这种情况在西画素描中是不不存在的)。要挣脱这种情况，去程式化，新的返回认同客观物像，寻找真情实感的原点，就必需抛弃许多原本的套路，在素描中展现出出有笃信和全然，有勇气和胆略面临告终，勇于探索。
甘南秋色34X45cm纸本设色2017年金山在望34X45cm纸本设色2017年笔墨是山水画最重要的审美标准，既是表现力又是审美对象，这是由中国文化的类似语境所要求的。什么是中国文化的类似语境呢?中国文化有三个特点，一是讨厌用一个典故去传达一种思想，而这个典故能举一反三，比如庄子的《逍遥游》;二是讨厌用一种程式去传达一种审美，而这种程式能让人产生误解，比如京剧里的套路;三是讨厌用一种技艺去传达一种境界，而这种技艺能产生一定的功夫，比如中国的武术。而这一文化语境必需遵循一定的法则，合乎普世意义，并能借此体味出有弦外之响。如京剧《霸王别姬》，故事在具备隐喻和警世后人功能的同时，戏剧人物中一招一式都具备非常的观赏性和审美功能。
而某种程度是虞姬，梅兰芳扮演着的角色就活灵活现，反映出有别人难以达到的功夫而沦为经典。如果你不按这些经典套路去戏，而是在台上花枝招展、胡叉一通，怎么能使观众取得很高的艺术享受呢?但某种程度按照这些经典套路去戏，而不根据自身特点去充分发挥，一味模仿，也不会味同嚼蜡，没什么生命。山水画素描也是如此，其所面临的是活生生的大大自然，由于笔墨的原因，往往不会受限于有数的经验，而对眼前的生命客体视而不见，一味地去所画自己习惯的东西，缺少与真为山水的情感交流，乱之后不会结壳。而如果不侧重笔墨的运用，只留意客观物像的刻画，表面上看是很相似生活了，但所作之所画一定是只所画所视所闻，无以约所思所想要，最少是拿着毛笔画风景，不是好的山水画。
明代董其昌说道:“以境之怪异论，则所画不如山水。以笔墨之精巧论，则山水决不如所画。”他所说的“怪异”二字，就是指真为山水间的变化千奇百态，是山水画的母本，具有取之不尽的审美源泉。
他所说的“精巧”二字，是画家运用笔墨的那种高深功夫，是画家对真为山水的个性传达和二次创作。世界上没不“怪异”的真山水，只有不“精巧”的笔墨。千奇百态的真山水就在那里，如果你对它视而不见，一味地画自己的套路，你对真为山水的了解就缺少情感，你的笔墨大自然也就过于“精巧”，大自然也就无价值可言。
秋入百家岩38X45cm纸本设色2015年太行山秋居38X45cm纸本设色2015年在素描当中，如何既反映出有笔墨的审美价值，又反映出对真为山水的情感传达，这是一个关于“煮”与“生”的学术命题，十分有一点研究。中国山水画自李可染开始，素描风气日盛，画家们从以往类似于黄宾虹那样侧重笔墨展现出和经营心境的素描类型渐渐转至到了李可染那种侧重中西融合和展现出情境的素描类型上来。
这种改变，一定程度上好转了山水画的审美，并把山水画推上了一个与前人有所不同的更为侧重现实生活的境地。从此，山水画素描渐渐沦为山水画的一个专门学科而转入学院。将近二十年来，山水画素描潮渐渐加剧，一方面是作为一种舆论工具，它很合适扮演着“文艺为工农兵服务”而深入生活的角色;一方面是年长的画家通过大量的素描累积了非常丰富的创作素材并借此取得了车祸的进账，由于这些画家的知识结构比前人更为多元，他们的素描既不是黄宾虹模式，也不是李可染模式，而是一种更加侧重形式语言和观念变化的素描模式。
这种模式与每个人的科学知识与绘画背景有关，有传统型，有中西合璧型。宑底秋色38X45cm纸本设色2015年首先说道说道传统型。现在的传统型已不是黄宾虹那个时代的传统，从学术层面上谈，黄宾虹的素描是一种晚清文人画的素描类型，他的顺利有三个主要原因，一是他本人的学养过人，这还包括读书、游历、书法功底等;二是他带入了印象主义的审美观，使他的作品打破了原有文人画的审美境界;三是我们这个时代回观他们那个时代时，找到黄宾虹的所画对我们最有救赎价值。当时，像黄宾虹这类画家很多，但他们都没超过黄宾虹的高度，也就大自然被历史不存了。
即便是黄宾虹，要不是于隔年了一段时空去回首，找到其有现实意义，或许也不会被历史所遗忘而与我们擦肩而过。现在的传统型画家，其传统文化并非像黄宾虹那个时代那样是“饲”出来的，而大多是“调补”出来的，他们对传统文化的自学比不上黄宾虹那个时代，无法取得黄宾虹那种打破笔墨的文化境界。
但他们中大多数源自学院，单从绘画技术层面上谈要更加非常丰富和全面，这使得他们在素描中既保有了对笔墨的观照又擅于去刻画客观物像。黄宾虹的素描手法主要来自清、清文人画的经典(虽然中间有宋元气象)，主要还是以传达文人心性的笔墨品质为主旨。而现在传统型画家的素描手法，往往是必要将学宋、元、清、明的方法带入到对客观物像的刻画中去，路子虽然长了许多，却大多是些传统“皮相”。由于较少了些文心经营，他们在山水素描中无法用内心去理解大自然，而更好地去套用古人画法。
这往往更容易依赖技法运用，一旦技法成熟期，就更容易结壳，在素描中很难再行看到“生”，变得缺乏诚恳的情感和生动的生命气象。辋川拾梦144X366cm纸本设色2016年四面青山古寨多37.5X37.5cm纸本设色2017年再说中西合璧型。
这类画家与李可染当时所处的背景也不完全相同，李可染当时不期望陈旧的山水样式(即与黄宾虹同时期那类绘画样式)被边缘化，明确提出要“为祖国河山立传”的责任感，用西画中素描的明与亮和油画的光与影来合理改建山水画。这一步，虽然与当时的政治背景有关，却横跨了千年。现在这类后学的画家由于有更加多的机会胆识西方的各种画风和流派，他们在山水素描中已不符合于逗留在光与影的问题上了，而是更好地将西画的画法精妙地转借到山水画素描中来，再加中国画坛又经历过“85新思潮”，他们又在艺术观念上迈向了一步，山水画素描更加疏远传统，再加西画审美侧重图式与视觉感觉，其方法带入山水画必定不会消除传统笔墨，从而剔去了能支撑人文情怀的笔墨展现出。
这类素描更加无以闻文心与学识，有时更加相似风景画。由于这类素描更好的是注目对客体的情感推敲，素描中常会被客体所打动而时有“生”机经常出现，但又缺乏了传统文化特种语境中溶解的审美“煮”，变得缺乏笔墨的韵味和文化的厚度。如此显然，这两种类型的山水画家在素描中所产生的“生”与“煮”均与笔墨和情感的流失有关。
前者轻笔墨则不易被笔墨吓阻而俱情感，后者轻情感则又被情感吓阻而俱笔墨。如何均衡好这种关系，使前者超过“煮”后“生”，使后者超过“生”后“煮”呢?我想要，读书与审美、游历与实践中是唯一的方案。乌代布尔水上皇宫38X58cm纸本设色2015年匈牙利议会大厦38X58cm纸本设色2015年记忆碎片200X180cm纸本设色2014年再行说道读书与审美。山水画家读书分三个境界，第一境界是对画论的钻研。
画论是古代文人画家对中国画理论与创作的独到看法，读书画论能协助你解读画理与画法。比如明代画家唐志契在《绘事微言》中说道:“气韵生动与烟润有所不同，世人谋所指烟润为生动，未尝荒谬。
垫气者有笔气，有墨气，有色气;而又有气势，有气度，有气机，此间即谓之韵，而生动处则又非韵之可代矣。生者生生不贫，深远影响无以尽。动者一动而不板，开朗迎接人。
要均可默会而不能名言。”他说道气韵生动并非表面不作气氛图形那么非常简单，明确提出要以笔墨层层无用写出去，使画面生动意深，让我们明白作画的重点不是把画面所画得如何可爱，而是要用笔写一气呵成方是要点。而要做“生动”二字，山水素描又何其最重要!这就是画理。
又比如他在提及画水口一节时说:“一幅山水画中，水口必不可少，需峡中流入，有旋环直捷之势，点滴俱动，乃为活水。”这种细节需从素描中仔细观察才能明白，这是画法。第二境界是对文学书籍的钻研，这类书能让画家减少无尽想象和文心，何况意境本是诗歌的语言，后来沦为山水画所执着的意趣，你无法想象一个读书不懂古诗的人，能画出好的有意境的山水画。
第三境界是对哲史类书籍的钻研，而这类书能让画家端正价值观，寻找执着艺术的正确方向。当今山水画家千千万，百分之九十的画家只不懂所画什么，有百分之八的画家告诉怎么画，只有百分之二的画家才明白自己为什么画画，这是一种智慧，读书哲史类的书毫无疑问是打开画家智慧的金钥匙。读书之外还需审美，审美最重要的一课即读画。读书古人的画可以学方法、清画理、于是以笔墨、养气格、欲品味、得境界。
读书今人乃至西方绘画可以拓眼界、甚广吸取、酌定位、判好坏、识流派、别风格。当今画坛有个人语言和风格者熟，众多画家或平摹古人，或追摹名家，或追摹时风，一眼望见均同一色，原因就是审美单一，眼界狭小。如某一区域画家看展，所喜作品均同一味，对其他作品往往不屑一顾，这是一种生理状态。如爱吃甜食者往往不善咸，爱吃辣味者往往不善酸甜。
但审美不不应逗留在生理状态，而不应在文化和精神层面上去观照，不讨厌的不相等很差，有时你多看几眼往往不会给你带给诸多经验之外的艺术可能性。家园50X90cm纸本设色2019年太行山秋色144X366cm纸本设色2016年再说说道游历与实践中。
游历是画家必不可少的人生经历，遍游名山大川、拜访各地低人，使画家既开眼界又长见识。大自然山水千变万化，画家泛舟来万千丘壑尽在胸中，作画时大自然笔底块垒，纸上烟霞。各地名家山外有山，画家访来取长补短，作画时大自然胸有成竹，厚积薄发。而实践中又是画家将所学科学知识用作素描与创作的不道德，只有通过实践中才能大大消化所学，大大磨砺笔墨，即石涛所谓将“一所画”变为“浅近功夫”。
这种实践中还包括画家平时的“日课”，即每天练练书法，所画些所画，特别是在是素描实践中，更加能让画家面临生活提供启发，并将案头笔墨与大自然山水重复调教，揣摩出有一套既有所不同古人又有所不同今人的笔墨新的语言。总之，只有将读书与审美、游历与实践中结合，才能减少画家的胆识和自我无我的能力，才能不惑于眼前的既有成绩，而在素描中纵情放怀地去找到新的境界，去挖出新的个人潜质，去探寻未曾展现出过的新的笔墨样态，使素描由“生”到“煮”，再行从“煮”到“生”，如此来回地超过笔墨与情感的对立统一，突显素描的确实价值。
甪平割院38X58cm纸本设色2016年太行山秋色144X366cm纸本设色2016年登临远眺38X65cm纸本设色2017年山静福芳左居38X65cm纸本设色2017年在我参与的诸多素描活动中，许多画家在素描中写诗就是杨家方法，对所观景物视而不见，一味顾自画去，所画素描既无情趣也无新意，这使我噤若寒蝉，誓言决不效仿。在我多年的素描教学中，我拒绝自己和学生要留意仔细观察生活，从整体到细节，不要只能笔墨，要多思维各种方法的可能性，不要反复自己，更加不要仿效他人，而是既认同客观物象，又认同自我内心。有人回答我素描时的状态是什么，我说道是主体与客体的“若即若离”。
过分认同客体，不会被客观物象牵着鼻子回头，不会丧失自我，所画素描依样葫芦，无笔墨审美可言，有时甚至不会过分刻划、荒谬和呆板。过分自我，不会被老套路牵着鼻子回头，不会丧失情感，所画素描缺少生活气息，笔墨也无新意，有时甚至不会过分陈旧、无趣和习气。
凡此种种，都因缺乏读书与审美、游历与实践中的功课，无法转入“若即若离”的最佳素描状态。在素描中，我可以所画得没有以前可爱，甚至所画得没有以前好，但我也决不反复以前的套路。
每次素描，我都拒绝自己解决问题一些新的问题，宁可告终也要之后。近来，我感觉自己在色彩上的展现出还正处于弱项，于是，我这些年把素描重点放到了色彩素描上，虽然我用水墨素描能所画得更佳，我还是义无反顾地用色彩去素描。
通过色彩素描，我找到了以前未曾找到的情感世界，挖出了以前未曾挖出的艺术创造力，虽不理想却也甚有进账。“物色之动心亦摇焉”，面临真为山水，我往往不会很兴奋，想要用自己的内心与之对话、聊天。明代唐志契云:“凡学画山水者看真为山水极长学问，之后干时人笔下套子，之后无作家俗气。
......故画山水而不亲赴极高极深，门徒模仿旧人栈道瀑布，惜是模糊不清丘壑，并未可之后得佳境。”正因如此，我的每次素描都显著与前次有所不同，有时甚至每天所画得都不一样，这或许就是我对素描确实含义的解读。因为我每一次的素描都会被自己打动，每一次的素描都取得了笔墨的突破，每一次的素描都很幸福，每一次的素描都充满著期望。阿尔卑斯山眺望39X53cm纸本设色2015年藏屋39X53cm纸本设色2014年嘉峪关29X36cm纸本设色2014年秋雁叠嶂244X122cm纸本设色2016年贾广健，1964年出生于河北省永清县。
1994年天津美术学院中国画专业研究生毕业并获得硕士学位，调入任教。现为天津美术学院副院长(主持人日常行政工作)、教授、硕士研究生导师。中国国家画院教学部主任，国画院研究员、院艺术委员会委员、青年画院副院长、天津美术家协会副主席、原天津画院院长。
发动和创立天津市中国画学会。中央美术学院特聘教授、北京大学艺术学院特聘研究生导师、中国美术家协会职业道德建设委员会委员、中国工笔画学会副会长、中国画学会理事、北京工笔画学会理事、十一届天津市青联常委、天津市政协委员、天津市有突出贡献的中青年专家，全国第十二届美展中国画评委、全国第十次文代会代表，全国中青年德艺双馨文艺工作者。中宣部全国“四个一批”文艺名家。
贾广健巴中恩阳古镇作品系列之六68×68cm纸本设色2018年贾广健：展现出大自然花卉的生命质感文/尚辉贾广健是当代花鸟画坛中一位十分知名的画家，也是当代“京津画派”最重要的代表人物之一。我之所以提及“京津画派”，是因为在民国时期的北京和天津，构成了以承继传统居多脉花鸟画家群体，并且在天津地域以及现在的天津美术学院中获得了极佳的承继和弘扬。如较早于的画家有孙其峰、霍春阳等，他们企图把传统花鸟画向青藤白阳和八大山人的艺术风格展开优良的承传和当代性切换。而贾广健就就是指这条文脉中截然不同出来的代表人物。
贾广健重瓣粉纸扇花上之二45×50cm纸本设色2018年贾广健火焰花45×50cm纸本设色2018年贾广健泰国洋蘭50×50cm纸本设色2018年贾广健巴中恩阳古镇系列作品之一50×50cm纸本设色2018年贾广健非洲鸳鸯茉莉50×50cm纸本设色2018年贾广健赤苞花上45×50cm纸本设色2018年贾广健西双版纳素描之一50×45cm纸本设色2018年贾广健的花鸟画是以小山水画没有骨画为主体，他的没骨画虽有恽南田的幽静宁静和甜美高逸，但在视觉感觉上又比恽南田更为表现手法和生动。因为今天的画家都经历过专业院校的造型和色彩训练，具备坚实的对景素描功力。
所以，在贾广健笔下的花和鸟，特别是在是在展现出花头、花茎和花叶之间的关系上更为契合实际，而且这种生动感觉决不是来自于画家个人捏造的笔墨趣味，而是画家长期以来对充满生机的大自然形态的一种体会和动容。贾广健巴中恩阳古镇作品系列之三68×68cm纸本设色2018年贾广健巴中恩阳古镇作品系列之四68×68cm纸本设色2018年贾广健巴中恩阳古镇作品系列之五68×68cm纸本设色2018年贾广健独本菊68×68cm纸本设色2018年实质上，贾广健十分擅于展现出花上的种种细节，在某种程度上谈，他的作品之所以充溢着圆润的意象正是因为细节的生动刻画。因此，我设想贾广健可能会常常或者最少在他的青年时代对花的自然生态作出过精细的研究，所以他才有能力将花朵、花茎到花枝之间的关系处置得如此错综复杂和精彩。
再者，贾广同在花卉的展现出方法上，特别强调动静的变化。如最少见的荷花题材，他多使用色粉的晕染和冲撞方式，在粉的成分和水的成分较多的情况下，将色彩冲撞到花朵的边缘地带，也就是说，贾广健的绘画并不是涂满了红色或黄色，而是用混浊的水去碰撞浓烈的色粉，使得荷花的构图和分明变化更加具备一种淡雅的美感。贾广健杜鹃花进68×68cm纸本设色2018年花瓣与叶梗之间的变换结构是最能体现花科种类的特征，也就是说，在普通人显然，更加多在乎的是诸如牡丹、桂花、菊花等各种花卉在叶瓣形状上的有所不同，而关于花瓣与叶梗之间不应是如何加权，却少有人去注目。
所以，我指出贾广同在展现出大自然花卉的细节能力方面显著是超越前人的。正因如此，我们看见很多画家笔下的荷花，只是门徒有荷花的外形，却缺乏一种生命的质感。另外，贾广健很少刻画衰败衰败的或是几乎盛开的花卉，最喜欢刻画花朵刚绽放的瞬间姿容，如同美丽的年长少女，这指出他是期望利用花卉的容貌来反映人性的美感。
贾广健作品中的禽鸟也十分出众，尽管他的画面中很少经常出现禽鸟，但也不同于一般画家意味着把鸟当成绘画符号，依然是用心绘画、细致入微，趣味感也非常丰富。虽然画面的勾染不是十分厚实，却需要显露出鸟的精神和风采，这是贾广健花鸟的最重要特色。贾广健丝兰45×68cm纸本设色2018年贾广同在没骨花鸟画中还借出了水彩画中的半透明画法，还包括有所不同色彩之间的变换技巧。这些技巧更好是在没骨里面需要反映用笔的特点，花瓣、花叶与花茎之间，如何在反映形的同时反映笔意，或者是在用笔的同时反映花草的外形。
实质上，花鸟画的仅次于可玩性在于既能展现出出有对象的形象特征，又能通过传统的笔墨反映出有物象的意趣，从这方面来看贾广健做到的十分出众。贾广健翠盖倚风58×96cm纸本设色1996年贾广同在画面中执着的圆润感也是一般画家所不具备的。传统的花鸟画多是淡雅俊美的折枝花鸟，是一种在极简的笔触中感觉花鸟画的趣味。
而贾广健讨厌在画面中生产出有很多繁琐密切的图示效果，即使荷花、叶片以及花和叶之间的方位与实际相符，甚至同时重新加入了两三种有所不同的花卉来扩充剩线条，也不会在贾广健淡雅笔意的转化成中流露出空灵、疏淡的感觉。贾广健溪塘过雪170×218cm纸本设色1999年自在水云乡——品读贾广健的“没骨莲花”系列文/王平20世纪以来，中国画发展的一条主线是如何与写实主义结合。表现手法技法与现实主义题材为人物画和山水画建构了独特的时代面貌。
人物画自不待言，我们需要从所画中衣着服饰、生活环境中看见独特的时代特征；山水画也是这样，无论是“金陵画派”还是“长安画派”，还包括发誓要“为祖国山河立传”的李可染，都是主张注目和贴近生活，其作品中的城市、工厂等现代形象，将我们的视野引进到新时代和新生活。惟独花鸟画很难与具备时代性主题创作交会在一起。不少人指出，现当代花鸟画的创意仍主要是境界上的拓展。
事实上，如果细细地品味，我们不会找到，不少现当代花鸟画大家的绘画风格也是归功于写实主义首创出有新的艺术语言和时代面貌。在现当代花鸟画中，工笔画不受写实主义影响是仅次于的，很多工笔画家可能会不接纳这样的众说纷纭，在他们显然，他是自由选择了唐宋工笔画传统，但就是这种自由选择追溯唐宋工笔画传统的推动力中就有写实主义影响的因素。正是不受写实主义的影响，现当代工笔花鸟画与唐宋花鸟画有很多不同之处，其中最重要的一点是当代人比古人的素描能力更加强劲，在物象造型的做到上更为精确和细致，精美程度已近惟妙惟肖。
因为古代绘画整体造型观念是山水画取形，对于形象的刻画中还具有一些程式化和套路性，从而在主观性的仔细观察中构成意象简化的造型特征。当代山水画花鸟画在题材上较之传统也有更大的拓展，花上、鸟的品种较传统多出过于多。因此，我们被迫否认，当代花鸟画在表现手法技法的插手下产生了十分大的发展。贾广健本是一位以工笔花鸟著称的画家，也就是说，工笔绘画建构了其绘画艺术的基础。
但他的“荷塘”系列既吸取了唐宋时期荷花绘画的语言形式，也在客观上营造出有身临其境的情景感觉。他所画的荷花、荷叶、莲蓬、水鸟，层次分明，形态非常丰富，各种物象的造型特征似乎都能在现实中的荷塘景象中寻找原型，并非是一种概念化或意象简化的展现出。由此可见，扎实的绘画基础一直秉持于贾广健的绘画血液当中。贾广健碧水金荷65×72cm纸本设色1998年我们今天喜爱贾广建的花鸟画，首先有可能要感慨的是他对于物象形体的精准做到。
他笔下的蔬果，笔墨的皴擦都是顺着物象的形体结构来所画，不仅精妙地运用了表现手法技法，而且反映了笔墨的情趣，有些作品尽管所画得非常简单，但栩栩如生的大自然之美总是能感动你的心灵。他在作品中甚至通过特别强调光来突显物像的体积感和分量感觉，这是古代绘画中会经常出现的绘画语言。事实上，近现代以来的中国画家大多名门于专业的艺术院校，受到了以素描、速写、色彩为训练基础的西化美术的教育。
不受西方写实主义的影响，很多国画家即使是所画水墨作品也是再行以线条去找状，然后再行在形体结构上施予水墨，尽管也可以做墨分五色，但作品显著是“西学为体，中学为用”。贾广健不是这样，他在绘画意识上构建了中西主体的转化成，以“中学为体，西学为用”。他的花鸟画以中国画传统的审美意境入画，与此同时，他自由选择了中国传统绘画中没骨花鸟作为一种最重要的展现出语言，并有意识地把表现手法技法与之融合一起，顺利打开了花鸟画的崭新面貌。
贾广健平时味道50×50cm纸本设色2014年其次，贾广同在色彩的运用上遵循着传统绘画的赋彩理念，显著具有一定的主观意识，这种偏向在他早期的工笔绘画中就已有所展现出。例如，他执着色彩的非常丰富层次与意境的不可思议变化，使得主观的调色方法进化为一种新的用于方式。在色彩传达上，贾广健执着艳而不俗、媚而不妖的视觉感觉，在明澈悦耳的同时又呈现一定的灰度，作品悦耳而朴实雅润。
贾广健的用色特点总结一起就是“清、暗、雅、惠”。精于用色使得贾广健的没骨花鸟画极具情趣。在当代许多画家还在极力再现客观事物“真为”的意义时，贾广健早已在有意识地执着一些奇奥错综复杂的写实意味。贾广健大道若虚50×50cm纸本设色2014年其三，当代花鸟画家中有些人沉缅于全然逗留在笔墨本身的展现出上，还有很多画家的创作或是为了获奖某场大型展出或是为了符合公共集体审美市场需求，作品往往致力于展现出出有独特的时代主题，而贾广健的绘画是在展现出自身对美好事物的诗意情怀，指向的是画家个体在心灵层面的无聊感觉。
这种俗世的心境解释贾广健的绘画早已返回了传统文人画创作的想法，即是董其昌所倡导的“烟云布施”状态。无论这种俗世的心境是画家无意或有意地切换，都反映了贾广同在艺术创作上高深的了解与领悟。
贾广健西塘双禽58×68cm纸本水墨2007年其四，对于贾广健这样专业单位工作的画家来讲，俗世的心境是画家创作态度和意识这些深层次的问题，即使是在面临缜密的或是具有主题性的创作时，他也需要主观地把绘画作为安慰、调节和放开自我的手段——在每幅作品的创作过程中，既需要已完成某些公共的审美市场需求，又需要构建个体的心灵执着。与之比较不应的，一些画家在创作疲乏时会自由选择音乐、电影、运动等其他方式减轻疲惫和压力，但贾广健的调整途径依然是艺术创作。
这种状态深刻印象地体现了隐蔽在画家创作背后的最现实的心理情绪，他否对绘画是确实的热衷，否需要体会到艺术带给的幸福。可想而知，如今许多艺术家在创作中并无法深感幸福，甚至不会指出绘画是一份日夜劳顿的工作，从而转入大大应付展出和主题创作的恶性循环之中，画家在创作中总有一天享用将近幸福的体验。贾广健晴雪66×66cm纸本设色1996年喜爱贾广健的荷花，决不说道一下中国传统文化中特有的“比德”文化。正是“比德”文化架通了中国画中人与自然万物的联系，中国画家特别是在钟爱梅、兰、竹、菊等“君子”题材，就是“比德”文化影响下的结果。
“比德”使得许多题材进化沦为人格的象征物，画家们刻画这些题材仍然是展现出物象的外在形态，而是为了传达自己对物象指向的人格化涵义的执着。正是从这个层面上，中国人得出结论了人品与画品相连的概念“人品即画品。
花鸟画家在刻画大自然万物的形象时，由于每个人的学识有所不同，其作品的深层涵义也就有所不同，换句话说，就是个人修养的强弱都会在作品中显现出来，李苦禅先生甚至指出“人无品格，笔墨无方”。荷花在中国传统文化中具有类似的含义，“荷”的寓意与中庸之道的主要内涵“中和”涉及，而且荷花具备“出淤泥而不染，濯清涟而不妖”的君子品质。
因此，贾广健有意识地自由选择并重复绘画荷花题材，一方面是受到了中国传统文化的至深影响，另一方面是他在荷花题材中竭尽了自己的理想和心愿。正如他在没骨莲花作品的题字“自在水云乡”，反映了一种自在每每的创作状态。同时，“自在水云乡”的美学境界也是贾广健对生活境界的一种阐释和憧憬。
因此，通过贾广健的没骨莲花作品，我们需要感受到一位当代专业单位的画家内心中流过的诗书画意以及充溢在骨髓中的文人情节。
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